Flora Yukhnovich gehört zu den Malerinnen, die das Verhältnis zwischen Abstraktion und historischer Bildtradition derzeit am produktivsten verhandeln. Ihre großformatigen Ölbilder beziehen sich offen auf das französische Rokoko (Boucher, Fragonard), das italienische Barock und die niederländische Stillleben-Tradition des 17. Jahrhunderts, lösen die figurativen Anker dieser Bezüge aber in eine fast schwerelose, gestische Malweise auf. Was bleibt, ist Atmosphäre — pudrige Rosa- und Pfirsichtöne, Cremes und Goldreflexe — verteilt in einem fluiden Layout, das näher am abstrakten Expressionismus liegt als am kunsthistorischen Zitat. Die Entscheidung, Material aus einer Epoche zu beziehen, die als ornamental und politisch belastet gilt, ist konsequent: Yukhnovich behandelt das Rokoko nicht als Ideologie, sondern als Pigmentkultur.

Diplom und Postgraduate in Portrait am Heatherley School of Fine Art (2010–13), MA Fine Art am City & Guilds of London Art School (2016–17). Vertretung durch Victoria Miro seit 2020 und Hauser & Wirth seit 2023. 2021 sorgte das Bild I'll Have What She's Having für Aufmerksamkeit, als es bei einer Auktion 2,3 Millionen Pfund erzielte. Werke in den Sammlungen des Brooklyn Museum, des Dallas Museum of Art, der Government Art Collection London, des Hirshhorn Museum, des Montreal Museum of Fine Arts und der National Gallery of Victoria. Aktuell läuft die Soloschau Egg bei Victoria Miro Venezia (5. Mai bis 4. Juli 2026) — eine während ihrer Schwangerschaft entwickelte Werkgruppe, die Mythen über fantastische Empfängnis und Geburt mit der Materialität gemalter Bilder kreuzt.

Issy Woods Werk operiert über die Verbindung klassisch nordeuropäischer Malweise mit einem zeitgenössischen Vokabular der Konsumkultur. Ihre Bilder zeigen Zähne und Mundinnenräume, Velourssessel, vintage Schmuck, Handschuhe, Stoffmuster — Fragmente, die aus Werbeästhetik, Familien-Erbe und Modemagazinen entlehnt sind und auf Leinwand wie unter einem dunklen Firnis stehen. Die Malweise ist bewusst altmeisterlich: gedämpfte Erdtöne, schichtweise Lasuren, ein Licht, das keine Sonne kennt. Das Ergebnis sind sardonisch-melancholische Stillleben einer Generation, die mit Erbstücken aufgewachsen ist und sie zugleich nicht mehr lesen kann. Wood arbeitet außerdem als Schreibende und Musikerin (auf Mark Ronsons Label Zelig Records); ihre Bilder funktionieren wie Songs ohne Text — über Anspielung statt Aussage.

Geboren 1993 in Durham, North Carolina, aufgewachsen in Großbritannien. BA Goldsmiths London (2015), MA Royal Academy Schools London (2018). Vertretung durch Carlos/Ishikawa London und Michael Werner Gallery (New York, London, Beverly Hills). Vom 9. Mai bis 11. Oktober 2026 zeigt das Kistefos Museum bei Oslo in der Nybruket Gallery die Soloschau Fish, Fish, Duck — Woods erste museale Großschau in Skandinavien. Das Programm ist Teil einer Saison, die Kistefos explizit der wiedererstarkten Rolle der Malerei in der Gegenwartskunst widmet.

Oscar Murillos Praxis ist eine der beweglichsten der Gegenwart. Sie umfasst gestische, oft mehrlagig genähte Großformate, Übermalungen auf gefundenen Stoffen, Skulpturen aus Industriematerial, Performances, kollektive Mal-Aktionen und Langzeit-Projekte mit Kindern und Schulklassen. Die Bilder selbst sind häufig auf den Boden gelegt, getreten, mit Gummibändern fixiert und von einem kontinuierlichen Bewegungsprozess gezeichnet — Murillo nennt das Resultat Disrupted Frequencies. Inhaltlich verhandelt das Werk die Erfahrung postkolonialer Migration zwischen Kolumbien und Europa, ohne sich als Identitätsmalerei zu verkaufen. Stattdessen interessiert ihn der materielle Umlauf — wie Bilder, Stoffe, Sprache und Kapital sich global verteilen.

Geboren 1986 in La Paila, Kolumbien; lebt und arbeitet in La Paila und in mehreren weiteren Standorten. Vertretung durch David Zwirner seit 2013, Debüt-Solo A Mercantile Novel bei Zwirner New York 2014. 2019 Co-Gewinner des Turner Prize, gemeinsam mit Tai Shani, Helen Cammock und Lawrence Abu Hamdan, nachdem die vier Nominierten den Preis als Kollektiv angenommen hatten. Aktuell läuft die in Kooperation kuratierte Ausstellung Collective Osmosis: Murillos Arbeiten im Dialog mit Werken Claude Monets, parallel im Museum Barberini und im Kunsthaus DAS MINSK in Potsdam (14. März bis 9. August 2026). Eine Position, an der die Frage nach dem Verhältnis von Geste, Geschichte und Globalisierung sichtbar verhandelt wird.

Caroline Walker arbeitet seit über einem Jahrzehnt an einem konsequent sozial zugewandten figurativen Werk. Ihre großformatigen Ölbilder zeigen Frauen bei Arbeiten, die in der dominanten Bildtradition selten sichtbar sind: Reinigungskräfte, Köchinnen, Hotelangestellte, Mütter im häuslichen Alltag, Migrantinnen in Übergangswohnungen. Die malerische Anlage ist klassisch — voyeuristisch komponierte Innenräume, präzise Lichtführung, ein dem 19. Jahrhundert entlehntes Verständnis von Genrebild — aber der Gegenstand verschiebt das Genre: nicht das idealisierte Häusliche, sondern die Arbeit, die häuslichen Komfort produziert. Walker malt nach eigenen Fotografien, oft entstanden bei längeren Recherche-Aufenthalten an den jeweiligen Orten.

Geboren 1982 in Dunfermline (Schottland), BA Glasgow School of Art (2004), MA Painting Royal College of Art London (2009). 2024 Wahl in die Royal Scottish Academy. Galerienseitig vertreten durch Stephen Friedman (London), Grimm (Amsterdam, New York) und Ingleby (Edinburgh). Bis 26. April 2026 lief die museale Solo Mothering am Pallant House Gallery in Chichester, eine Werkschau zur Mutterschaft und frühkindlichen Sorgearbeit. Im September 2026 folgt eine groß angelegte Auftragsarbeit für Art on the Underground im Bahnhof Stratford in London: Walker hat dafür Frauen begleitet, die im Nachtdienst Jubilee-Line-Züge reinigen und betreiben — ein Werk, das die unsichtbare Infrastruktur der Stadt sichtbar macht.

Anna Park hat in fünf Jahren das geschafft, wofür viele eine Karriere brauchen: ein eigenständiges Vokabular in einem konventionell unterschätzten Medium. Ihre großformatigen Kohlearbeiten — manche überschreiten zwei Meter, mit Tusche und Erasure-Technik in dichten Schichten gearbeitet — bewegen sich zwischen abstrakter Geste und figurativem Splitter: Hochzeitskuchen, Stars mit weißen Zähnen vor Reporterblitzen, schwarz-weiße Fragmente amerikanischer Pop-Mythologie, gebrochen in Streifen, Stars, Wirbel. Die formale Präzision der Linie steht gegen das Chaos des Sujets, wie eine Disziplin, die das Unkontrollierbare festhält. Park nutzt Schwarz-Weiß als Verzicht — auf Farbe, auf Verführung, auf das schnelle Bild — und bekommt dafür eine Ernsthaftigkeit, die der gegenwärtigen Kohlerenaissance ihre Begründung gibt.

Geboren 1996 in Daegu, Südkorea; mit der Familie früh nach Neuseeland und dann in die USA — Redondo Beach, später Salt Lake City. BA Pratt Institute Brooklyn (2017), MFA New York Academy of Art (2020). Erste Soloschau 2021 bei Half Gallery New York — sofort ausverkauft, vier Werke gingen direkt an Museen. Solo-Stationen: Half Gallery Pluck Me Tender (2021), Blum & Poe Tokio Hello, Stranger (2021), Blum & Poe Los Angeles Mirror Shy (2022), SCAD Museum of Art Savannah Last Call (2022), Art Gallery of Western Australia Perth Look, look. (2024). Im März 2025 Aufnahme bei Lehmann Maupin als jüngste Künstlerin im Programm der Galerie. Aktuell läuft das UK-Solodebüt Hot Honey bei Lehmann Maupin London, 30. April bis 30. Mai 2026.