Es gibt Maler:innen, deren Bildkörper so unvermeidlich aussehen wie Cecily Browns — als wären die Gemälde nicht gemacht, sondern aufgetaucht. Figuren lösen sich auf, tauchen wieder auf, verschwimmen in Farbwirbeln, die an De Kooning erinnern, an Francis Bacon, an die hitzige Energie von Joan Mitchell. Brown studierte an der Slade School of Fine Art (BFA 1993), zog 1994 nach New York und bewegt sich seither im Schnittpunkt von Figuration und Abstraktion, ohne sich in eine Richtung festzulegen.

Ihre Arbeiten zeigen oft Szenen von Vergnügen und Chaos: Körper in Bewegung, Landschaften, die zu Körpern werden, Titelgebungen aus Hollywood-Filmen (The Fugitive Kind, High Society, Suddenly Last Summer), die einen ironischen Rahmen für Bilder setzen, die sich inhaltlich dem Willen entziehen. Das Besondere an Browns Arbeitsweise ist der Umgang mit dem Noch-Nicht-Fertigen: Sie malt über sich selbst, überarbeitet, zerstört, rettet Teile — das fertige Bild trägt die Geschichte seiner eigenen Entstehung in sich.

High Society (1997) erzielte bei Sotheby's New York im November 2025 einen Künstlerrekord von $9,81 Millionen — 44 Prozent über dem vorherigen Höchstpreis. Ihre aktuelle Ausstellung Picture Making bei den Serpentine Galleries, London (27. März – 6. September 2026) ist ihr erstes institutionelles Debüt in der Stadt, in der sie aufgewachsen ist: 25 Jahre nach ihrem Umzug nach New York kehrt sie zurück und zeigt neue Gemälde, Zeichnungen und Monotypien.

In Robert Navas Bildern ist Chaos ein Ordnungsprinzip. Seine großformatigen Leinwände bevölkern zweiköpfige Tiger, verschmolzene Gestalten, Adler mit gespaltenen Flügeln, anthropomorphe Wesen in einem Zwischenzustand — alles mit Sprühfarbe, Acryl und Fettkreide auf grober Leinwand, in einem Tempo, das an Basquiat erinnert und an die frühen Jonathan Meese-Arbeiten.

Yale prägte Nava formal (MFA 2011) — doch das Yale-Wissen hat er bewusst abgeschüttelt. Was blieb: die handwerkliche Basis, der Mut zur Eigensprache. Was er wählt: prähistorische Höhlenmalerei, ägyptische Wandfriese, das Comic-Panel, den kindlichen Strich. Marcia Tuckers „bad painting"-Begriff aus dem Jahr 1978 beschreibt genau jenen Raum, den Nava besetzt — Malerei als anti-akademisches Bekenntnis zu Roheit und Rhythmus.

Pace Gallery zeigt seine jüngsten Arbeiten After Hours (New York, März–April 2025) und sein erstes Tokyo-Solo (Pace Tokyo, Februar–April 2026). Die Spannbreite von New York über Paris bis Tokyo — in fünf Jahren nach dem Pace-Einstieg — ist ein Zeichen für eine Karriere, die institutionell bereits fundiert ist.

Somaya Critchlow malt Körper, die über sich hinausgehen wollen. Auf tief rötlich-brauner Grundierung erscheinen nackte und halbbekleidete weibliche Figuren, die sich in Posen aus der Alten-Meister-Tradition befinden — nach Peter Lely, nach Velázquez, nach Rubens — und diese Posen gleichzeitig bewohnen und unterlaufen. Das ist kein Zitat und keine Appropriation Art im akademischen Sinne: Es ist eine Aneignung, die das Recht einfordert, selbst im Bild zu stehen.

Critchlow studierte an der University of Brighton und schloss 2017 an der Royal Drawing School ab — einer Ausbildung, die klassisches Handwerk fordert. Ihr Frühwerk zeigt, wie ernst sie dieses Fundament nimmt: Graphit und Tinte, eng mit Öl verwoben, eine Malerei, die sich zeichnerisch denkt.

Im Februar 2025 eröffnete The Chamber in der Dulwich Picture Gallery, London — einer der renommiertesten Sammlungen alter Meister in Großbritannien. Critchlow, die als Kind dieses Museum besuchte, kehrt zurück und hängt ihre Werke neben die Vorbilder. Es ist ein selbstbewusstes Statement: Ich gehöre hierher.

Amy Sillman malt nicht mit dem Pinsel. Lappen, Spachtel, Rakel, Schaber — das sind ihre Werkzeuge. Das Bild entsteht durch Entfernen, nicht durch Hinzufügen. Diese methodische Differenz zur traditionellen Malerei hat tiefgreifende Konsequenzen: Das fertige Bild trägt in sich die Schichten seiner eigenen Auflösung.

Sillman arbeitet seit den frühen 1990er Jahren in einem Feld, das gestural abstraction und figürliche Einflüsse miteinander verbindet, ohne beides zu trennen. Figuren tauchen auf, verschwinden, kehren wieder — als Andeutungen, als Fragmente. Die Leinwand ist ein Erinnerungsraum, ein Prozessraum, keine fertige Aussage. Ihr MFA von Bard College 1995 kam spät — sie war zu diesem Zeitpunkt bereits 40 Jahre alt. Diese Erfahrung, auf Umwegen in eine künstlerische Karriere zu kommen, prägt ihre Offenheit für das Unfertige, das Nicht-Lineare.

Im Januar 2026 wechselte sie von Gladstone Gallery zu David Zwirner — ein Wechsel, der als Zeichen ihres gestiegenen institutionellen Status gewertet wird. Die aktuelle Ausstellung Alternate Side (Permutations #1–32) bei Dia Bridgehampton (27. Juni 2025 – 25. Mai 2026) zeigt eine Serie abstrakter Gemälde, die über Wiederholung und Variation arbeiten.

In Michaela Yearwood-Dans Gemälden blüht alles. Blüten in Pink und Lila und Türkis, Schriftfragmente über Körpern, Keramikgefäße, Körperteile die sich in Pflanzen auflösen — Bilder, die sich einer Deutung entziehen, weil sie kein Problem lösen wollen. Sie bauen Räume. Räume für Überfluss, für Gemeinschaft, für Freude.

Yearwood-Dan wuchs in einem karibisch-britischen Haushalt in South London auf, begann neben Jobs als Nanny und Kunstlehrerin zu malen — und verließ 2018 diese Jobs, um Malerei zu ihrem Beruf zu machen. Seitdem: Tiwani Contemporary 2019 (erste Solo), Marianne Boesky 2021, Hauser & Wirth 2024. Die Farbentscheidungen in ihren Gemälden sind politisch codiert: Violett, Rosa, Blau — Farbreferenzen aus den lesbischen und bisexuellen Pride Flags. Keramische Nelken und Stiefmütterchen, die in ihre Bilder collaginiert sind, tragen queere Symbolik seit dem viktorianischen Zeitalter.

Im April 2026 eröffnet The Practice of Liberation im Whitworth Manchester — ihre erste institutionelle Einzelausstellung im Vereinigten Königreich. 14 Gemälde, 6 Keramikgefäße, ein raumgreifendes Environment mit Soundkomposition von Alex Gruz. Die Ausstellung tourt anschließend nach Towner Eastbourne und Arnolfini Bristol.