Frank Bowling gehört zu den wenigen Malern, deren Werk in acht Jahrzehnten immer dichter geworden ist. Geboren 1934 im damals britischen Guiana, kam er 1953 nach London und studierte am Royal College of Art gemeinsam mit David Hockney und R.B. Kitaj. Seine Arbeit — großformatige, oft schichtweise aufgebaute Farbfelder — verbindet Abstract Expressionism, Colour Field Painting und eine eigene, lyrisch-abstrakte Sprache, die er über Jahrzehnte in Londoner und New Yorker Ateliers entwickelt hat. Besonders seine sogenannten Map Paintings der späten 1960er und frühen 1970er Jahre — monumentale Leinwände, in die Umrisse von Kontinenten verschwindend einmontiert sind — haben den Status historischer Gründungswerke.

2019 widmete Tate Britain Bowling die erste große Retrospektive seines Werks, verteilt auf neun Säle (31. Mai bis 26. August 2019). 2022 und 2023 tourte Frank Bowling: Americas vom MFA Boston zum SFMOMA. Er war der erste Schwarze Künstler, der in die Royal Academy of Arts gewählt wurde. Seit 2022 wird er von Hauser & Wirth vertreten. Seine Gemälde hängen in den Sammlungen des Tate, des MoMA, der Whitney Museum of American Art und zahlloser weiterer Institutionen.

Bowling ist eine Referenz für alle, die in großformatiger Abstraktion arbeiten und dabei Farbschicht auf Farbschicht setzen. Seine Oberflächen sind eher Felder als Gemälde — Zonen, die Licht eher halten als zeigen. Der Pinselstrich ist selten spektakulär, aber immer substantiell. Wer bei Bowling genau hinsieht, erkennt die Methode: Das Bild wird nicht gemacht, es wird aufgebaut.

Lynette Yiadom-Boakye, 1977 in London als Kind ghanaischer Eltern geboren, malt Figuren, die nicht existieren. Ihre Porträts sind keine Abbildungen realer Personen, sondern Kompositionen aus Fotografien, Erinnerungsfragmenten, Gesten — gemalt oft in einer einzigen Sitzung, in gedämpfter Palette, mit flüssigem, fast skizzenhaft wirkendem Pinselstrich. Die Figur als Vorschlag, nicht als Dokument. Dabei ist sie gleichzeitig Malerin und Schriftstellerin: Ihre Bildtitel sind eigene literarische Setzstücke, keine Beschreibungen.

Ihre Einzelausstellung Fly in League with the Night wanderte von Tate Britain (ursprünglich 2020, durch Lockdown verkürzt, dann 2022–23 ausführlich gezeigt) über das Moderna Museet Stockholm weiter zu verschiedenen Stationen — eine Schau mit über 70 Gemälden, die zwei Jahrzehnte umfasst. Yiadom-Boakye wurde 2013 für den Turner Prize nominiert. Jack Shainman Gallery in New York vertritt sie seit 2010, Corvi-Mora in London hat sie seit ihren Anfängen aufgebaut. Ihre Werke befinden sich im Tate, im MoMA, in der National Portrait Gallery und in weiteren großen Sammlungen.

Für eine expressive, malerische Praxis ist Yiadom-Boakye eine Lektion in Zurückhaltung: Wie viel kann ein Bild aussparen und trotzdem vollständig sein? Ihre Palette ist reduziert — Braun, Schwarz, gebrochene Weißtöne, gelegentlich ein tiefer Grünton — aber die Tiefe der Figuren ist überwältigend. Geschwindigkeit des Malens kombiniert mit Langsamkeit des Schauens. Eine der ernsthaftesten malerischen Positionen der Gegenwart.

Loie Hollowell baut Bilder, die zwischen geometrischer Abstraktion und körperlicher Empfindung vermitteln. Ihre Kompositionen bestehen aus wenigen, klar umrissenen Formen — Mandorla, Ogee, Lingam — die sich symmetrisch um eine Mittelachse organisieren. Aber was aus der Ferne wie Hard-Edge-Geometrie aussieht, erweist sich aus der Nähe als skulpturale, in Reliefschichten aufgebaute Malerei: Öl mit Sägemehl, hochgezogen zu greifbaren Graten. Ihre Themen: Schwangerschaft, Geburt, Sexualität, der Körper als Landschaft. Autobiographisch, aber nie illustrativ.

Hollowell, 1983 in Woodland, Kalifornien, geboren, absolvierte ihren BFA an der University of California, Santa Barbara (2005) und ihren MFA an der Virginia Commonwealth University in Richmond (2012). Pace Gallery vertritt sie seit 2017 — ihre erste Soloausstellung dort, Point of Entry, lief in Pace Palo Alto. 2024 folgte ihre erste Museums-Überblicksschau, Space Between, A Survey of Ten Years, am Aldrich Contemporary Art Museum in Ridgefield, Connecticut. Ihre Werke hängen im Centre Pompidou, im Hirshhorn Museum, im LACMA, im Stedelijk Museum Amsterdam, in der Albertina Wien, im M+ Museum Hongkong und im Zentrum Paul Klee Bern.

Hollowells Arbeit ist eine der präzisesten Antworten darauf, wie abstrakte Malerei heute eine Körpererfahrung vermitteln kann, ohne explizit zu werden. Die Formensprache ist einfach, das Farbgefühl extrem fein abgestimmt, die Oberfläche buchstäblich fühlbar. Eine Lektion in Reduktion, die das Gegenteil von karg ist.

Jonas Wood malt das, was er kennt: sein Haus, sein Atelier, die Keramik seiner Frau Shio Kusaka, Pflanzen, Sportfotografien, Familienporträts. Aber die gemalte Welt ist keine Abbildung. Wood arbeitet aus Fotos, die er vorher zerschneidet, recollagiert, verzerrt, und baut daraus Bilder mit flächig-flacher Farbigkeit, Matisse-Flächen, verschobenen Perspektiven. Ein Mitteldistanzmaler der 2020er, der die Alltagswelt in eine malerische Grammatik übersetzt, die weder fotografisch noch abstrakt ist.

Wood wurde 1977 in Boston geboren, studierte Psychologie am Hobart and William Smith Colleges (BA 1999) und schloss 2002 seinen MFA in Malerei und Zeichnung an der University of Washington in Seattle ab. Er lebt und arbeitet in Los Angeles. Vertreten wird er weltweit von Gagosian — mit zahlreichen Einzelausstellungen in New York, Los Angeles, Hongkong und London — sowie von David Zwirner für die gemeinsame Arbeit mit Shio Kusaka. Woods Werk ist in den Sammlungen namhafter Institutionen vertreten; seine Verbindung zur Pop-Moderne (er wuchs mit den Werken seines Großvaters auf, darunter Arbeiten von Bacon, Calder, Motherwell und Warhol) gehört mit zur künstlerischen Biografie.

Wood ist ein guter Lehrmeister für das Problem, das viele figurative Maler:innen gerade haben: Wie arbeitet man aus Fotos, ohne fotorealistisch zu werden? Seine Antwort ist Flächigkeit und Geduld. Die Bilder werden langsam aufgebaut, jede Zone eine bewusste Flächenentscheidung. Nichts wirkt zufällig. Nichts wirkt steif.

Leyla Yenirce wurde 1992 in Qubîn in Kurdistan geboren und lebt seit Jahren in Berlin. Sie arbeitet in mehreren Medien gleichzeitig — Video, Installation, Performance, Sound — und ist seit einigen Jahren auch konsequent in der Malerei angekommen. Ihre Gemälde auf Leinwand sind dichte Überlagerungen: Gefundenes Bildmaterial aus militärischen, medialen und filmischen Archiven, durchgearbeitet in schichtweise aufgetragener Ölfarbe, die die darunterliegenden Fragmente halb enthüllt, halb verdeckt. Figuren des Widerstands — Kämpferinnen, Überlebende, Zeuginnen — bevölkern diese Oberflächen, oft so stark in Farbe gelegt, dass sie wie Geister aus dem Bildgrund auftauchen.

Yenirce wird in Berlin von Capitain Petzel vertreten. 2024 erhielt sie den Kunstpreis Berlin, 2022 den ars viva Preis. Ihre Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des Mudam Luxembourg, des Detroit Institute of Arts, des Kunstmuseum Magdeburg und des Kistefos Museums in Norwegen. Frühere Museumsstationen: Kunsthaus Hamburg, Haus der Kunst München, Kunsthalle Münster, Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig. Ihre erste Einzelausstellung im US-Gallerieraum, Eye Level, zeigte Petzel New York. Aktuell — und direkt relevant für diese Ausgabe — widmet ihr das Landesmuseum Oldenburg mit Werdegang (siehe Ausstellungen-Sektion, Eröffnung 17. April 2026) die erste große museale Einzelschau.

Was Yenirce zeigt: wie man Malerei politisch macht, ohne illustrativ zu werden. Die Dichte ihrer Bildoberflächen — mal fast abstrakt, mal abrupt gegenständlich — kommt aus einer Praxis, die Bilder nicht erfindet, sondern bearbeitet. Der Pinselstrich ist dabei immer ein Eingriff in bereits vorhandenes Material. Das gibt den Arbeiten eine besondere Zeitlichkeit: Sie sind nie das erste Bild, immer eine Antwort auf ein vorgefundenes.