Louis Fratino gehört zu den am schnellsten arrivierten figurativen Malern seiner Generation. Geboren 1993 in Annapolis, Maryland, absolvierte er 2015 einen BFA in Malerei mit Schwerpunkt Illustration am Maryland Institute College of Art in Baltimore. Es folgte ein Fulbright-Forschungsstipendium in Berlin (2015/16). Seitdem baut er ein Œuvre auf, das queere Intimität, Familie, Ateliergeschichte und einen bewussten Rückgriff auf die klassische und moderne Bildsprache des 20. Jahrhunderts verbindet. Matisse, Picasso, Léger, die italienischen Metaphysiker — Fratinos Malerei referenziert sie nicht als Zitat, sondern als Werkzeugkasten. Bildaufbau, Kontur, flache Farbigkeit, gelegentlich die Verschiebung einer Gliedmaße ins Ornamentale.

2024 war Fratino Teil der 60. Biennale von Venedig unter der Kuration von Adriano Pedrosa (Stranieri Ovunque — Foreigners Everywhere) — ein Auftritt, den Artnet News im Nachgang als das Ereignis beschrieb, das ihn endgültig in die Kategorie der Marktschwergewichte seiner Generation verschob. Im Februar 2026 gab David Zwirner die Vertretung bekannt, parallel zur bestehenden Arbeit mit Sikkema Jenkins in New York und Galerie Neu in Berlin — ein geteiltes Modell, das die Signalwirkung großer Häuser mit der aufbauenden Arbeit kleinerer Strukturen kombiniert.

Für eine expressiv-figurative Praxis ist Fratino eine präzise Referenz darin, wie man Einflüsse öffentlich zeigt, ohne sie zu imitieren. Seine Bilder wirken nie epigonal — sie sind Gegenwart, aber Gegenwart mit bewussten Rückgriffen. Die Oberfläche ist meist ruhig, der Pinselstrich geordnet, der Bildraum klar. Die Intensität sitzt nicht im Impasto, sondern in der kompositorischen Entscheidung. Und gerade das macht seine Arbeit für Maler:innen interessant, die figurativ bleiben wollen, ohne ins Illustrative abzurutschen.

Emma McIntyre, 1990 in Neuseeland geboren, lebt und arbeitet in Los Angeles. Nach einem Abschluss an der Auckland University of Technology (2011) folgte ein MFA an der Elam School of Fine Arts, University of Auckland (2016), und ein zweiter MFA am ArtCenter College of Design in Pasadena, Kalifornien (2021). 2019 erhielt sie ein Fulbright Graduate Award. Im Herbst 2023 zeigte David Zwirner ihre Einzelausstellung An echo, a stain an der 69th Street in New York; die formale Übernahme der Vertretung erfolgte 2024 in Kooperation mit Château Shatto — ein geteiltes Modell, das die jüngere Galerie im Spiel hält und zugleich eine internationale Bühne bereitstellt.

McIntyres Malerei basiert auf einem materialtechnischen Verfahren, das sie über Jahre entwickelt hat: Eine auf Eisenpigment basierende Mischung wird auf die Leinwand aufgetragen und reagiert dort mit einer Lösung, die Oxidation auslöst — das Pigment rostet. Der Prozess ist nur teilweise steuerbar; das Bild entsteht in einem Wechselspiel zwischen setzender Geste und chemischer Eigendynamik. Dazu kommen Öle, Pigmente, unorthodoxe Substanzen. Das Ergebnis sind Oberflächen, die gleichzeitig gemalt und gealtert wirken, historische Patina und zeitgenössische Direktheit verbinden. Motivisch schlägt McIntyre einen breiten kunsthistorischen Bogen: Renaissance, Rokoko, Helen Frankenthaler, Sigmar Polke, Cy Twombly — nicht als Zitat, sondern als Repertoire, aus dem sie Motive, Farbklänge und Gesten herausgreift.

Wer sich für die Frage interessiert, wie abstrakte Malerei heute eigenständige Oberfläche erzeugen kann, findet bei McIntyre eine der konsequentesten Antworten der Gegenwart. Das Verfahren lässt sich nicht beschleunigen, nicht digital reproduzieren, nicht leicht imitieren. Das Bild ist, im strengen Sinn, ein Objekt, das Zeit zeigt.

Shara Hughes, 1981 in Atlanta geboren, schloss 2004 einen BFA an der Rhode Island School of Design ab und besuchte anschließend die Skowhegan School of Painting and Sculpture. Sie lebt und arbeitet in Brooklyn. International wird sie von David Kordansky in Los Angeles und New York, von Galerie Eva Presenhuber in Zürich sowie von Pilar Corrias in London vertreten. Ihr Durchbruch in die institutionelle Öffentlichkeit kam 2017 mit der Whitney Biennial, bei der ihr ein eigener Saal mit großformatigen Landschaftsbildern zugeteilt wurde — ein damals ungewöhnlicher Vertrauensvorschuss für eine emergente Position.

Hughes' Malerei verhandelt das Landschaftsgenre als imaginären Zustand. Sie arbeitet selten mit Referenzbildern, sondern setzt Farbe direkt auf die Oberfläche und mischt Pigmente häufig erst dort. So entstehen intuitive Farbklänge, die bewusst an Color Field Painting und Post-Impressionismus erinnern, ohne illustrativ zu werden. Schlangenartige Bäume, gedrehte Himmel, gedehnte Perspektiven, Spiegelungen, die die innere Logik verlassen: Die Landschaft bleibt Gattung, aber ihre Koordinaten werden auf psychologische Räume umgemessen. Im November 2025 eröffnete mit Inside Outside am Norton Museum of Art in West Palm Beach die erste große Überblicksschau ihrer Karriere — die Ausstellung umfasste Gemälde und Keramiken und lief bis 1. März 2026.

Hughes ist eine produktive Referenz für alle, die expressiv in Farbe arbeiten, ohne den Realismusanspruch abzuschalten. Ihre Bilder behalten die Gattung Landschaft bei, lösen aber alle Erwartungen an räumliche Kohärenz auf. Das Ergebnis ist eine Malerei, die frei wirkt, ohne willkürlich zu sein — genaue Entscheidungen in einem imaginativen Rahmen. Ein Arbeitsmodell, das im Frühjahr 2026 besonders gut funktioniert: hoher malerischer Einsatz, offene Motivlogik, handgemachte Direktheit.

Doron Langberg, 1985 in Yokneam Moshava in Israel geboren, studierte an der University of Pennsylvania (BFA) und erhielt 2012 einen MFA an der Yale School of Art. Er lebt und arbeitet in New York City und wird international von Victoria Miro vertreten. Seine erste institutionelle Einzelausstellung in Europa, Part of Your World, zeigte 2024 die Kunsthal Rotterdam. Werke von Langberg befinden sich im Metropolitan Museum of Art, im ICA Boston, im Des Moines Art Center und in der National Portrait Gallery in London. Preise und Stipendien: John-Koch-Preis der American Academy of Arts and Letters, Elizabeth Greenshields Foundation Grant, Yale Schoelkopf Travel Prize.

Langbergs Malerei kreist um die Physikalität der Berührung — als Sujet ebenso wie als Malpraxis. Er porträtiert queere Zärtlichkeit, Familienmomente, Wildblumen, weite Landschaften, oft in großem Format und mit einem Licht, das in der zeitgenössischen Malerei selten geworden ist. Dünn aufgetragene Öle treten gegen fast pastose Akzente, große Partien der Leinwand bleiben beinahe transparent. Die Bildlogik ist offen: Figuren gehen in Umgebungen über, Körper in Licht, Licht in Malerei.

Was Langbergs Arbeit lehrt, ist eine Art figurativer Zurücknahme. Er zeigt, wie sich Intimität malen lässt, ohne private Details zu illustrieren. Die Gemälde sprechen eine klare Sprache, aber keine explizite. Das ist eine Tradition, die über Alice Neel, David Hockney und in Teilen Eric Fischl führt und die sich bei Langberg erneuert zeigt: Malerei als Ort einer erweiterten Zugehörigkeit.

Vivian Greven, 1985 in Bonn geboren, studierte an der Kunstakademie Düsseldorf und schloss ihr Studium 2015 ab. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf; seit 2024 ist sie Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. International wird sie von Kadel Willborn in Düsseldorf, Perrotin, Aurel Scheibler in Berlin und Gallery Vacancy in Shanghai vertreten. Werke von Greven befinden sich unter anderem in den Sammlungen der Hamburger Kunsthalle, des Kunstmuseum Bonn, des Kunstpalast Düsseldorf, des Kunstmuseum Stuttgart und des Long Museum in Shanghai.

Grevens Malerei kreist um Berührung, Intimität, klassizistische Anspielungen — Körperpartien, die aus antiken Statuen herausgelöst wirken und in digital glatten Farbfeldern platziert werden. Lippen, Brustwarzen, Fragmente, die sich gerade noch als menschlich lesen lassen, aber schon zur Zeichen werden. Die Oberfläche ist bewusst unglanzlos, fast kreidig, mit weich ineinandergesetzten Pastelltönen, die keine Gestik zeigen, sondern eine ausgesprochen kontrollierte Flächigkeit. Ihre Arbeit steht im Dialog mit der digitalen Bildkultur, ohne ihr nachzueifern — sie zeigt, dass Malerei die Effekte des Digitalen aufnehmen und in Material zurücküberführen kann.

Was Greven für die zeitgenössische Malerei so interessant macht, ist die Genauigkeit ihrer Referenzbewegung. Sie zitiert nicht, sie übersetzt: antike Skulptur in digitale Oberfläche, digitale Oberfläche zurück in malerisches Pigment. Eine Praxis, die in jeder Sitzung eine klare kunsthistorische Position markiert, ohne laut zu werden. Das Bild als reduziertes, hoch kontrolliertes Objekt — mit einer unterschwelligen Wärme, die sich erst aus der Nähe erschließt.